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  • Author: Lucius Etruscus
  • [Italian credits] I diavoli volanti (1939)

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    Sta per giungere finalmente a conclusione questo terribile 2016, anno infausto che ha falcidiato in maniera impietosa il mondo dell’intrattenimento artistico: arte, musica, cinema, fumetti, nulla è stato risparmiato da lutti e addii.
    Ma ogni morte accompagna una nascita, e se il 2016 è stato un annus horribilis per la qualità degli artisti defunti è stato altresì un annus mirabilis per la qualità degli “anniversari“, che spesso promuovo dal mio sito Lo Zinefilo, coinvolgendo anche altri blogger. Da Yado all’Armata Brancaleone, da Remo Williams ad Allan Quatermain, da Spie come noi al Bond-clone A077, da Aliens a Codice Magnum, da Corto circuito a Cobra, da Chi è sepolto in quella casa? a Il nome della rosa. Passando per i 50 anni di western nostrani come Django e Il buono, il brutto, il cattivo.
    Invece di piangere i molti lutti del 2016, scelgo di festeggiare la fine di questo maledetto anno omaggiando l’anniversario di una nascita: esattamente 75 anni fa, il 29 dicembre 1941, usciva in Italia I diavoli volanti. Visto che in un mercatino ho trovato una VHS Curcio 1992, n. 5 della collana “Il meglio di Stanlio & Ollio”, mi sembra un “segno” evidente che io debba presentare i “crediti” italiani del film.

    L’uscita originale

    flying_deuces23 novembre 1939. Da più di due mesi l’invasione della Polonia da parte di Hitler ha innescato la Seconda guerra mondiale, ma al Rialto di New York gli spettatori assistono a tutt’altro spettacolo: viene proiettato per la prima volta The Flying Deuces.
    I due comici protagonisti già erano stati nella Legione Straniera nel 1931 così spesso si pensa a questo film come a un remake, in realtà pare che sia sì un rifacimento ma del francese L’allegro volo (Adémaï aviateur, 1934) con Fernandel: la rarità di quest’ultimo titolo rende difficile confermare o smentire.
    Il contratto con lo storico Hal Roach è scaduto e la coppia Stan Laurel ed Oliver Hardy passa al produttore Boris Morros, che si avvale della distribuzione della RKO. Morros in seguito si scoprirà essere una spia sovietica, ma intanto è un rinomato musicista che negli anni ’30 ha diretto la Paramount Studio Orchestra: molti pensano che sia merito suo la presenza di due scene musicali storiche nel film in questione.
    Una è quella che vede i due protagonisti in prigione, in attesa di essere fucilati all’alba, e Stan si mette a suonare la rete del materasso come un’arpa eseguendo The World is Waiting for the Sunrise (“Il mondo è in attesa dell’alba”). La seconda è la storica Shine On, Harvest Moon, canzone del 1908 molto in voga all’epoca e che Oliver Hardy canta con la propria voce. Che però nessun italiano ha mai sentito…

    Il mistero della versione italiana

    C’è la guerra quando il film arriva in Italia, con i protagonisti ribattezzati Cric e Croc: esordisce al Corso di Torino il 29 dicembre 1941 con il titolo I diavoli volanti. Arriverà al Lux di Roma il 6 giugno 1945, a guerra finita (almeno per il nostro Paese) e quindi ci si può permettere una ardita “k”: Crik e Crok…
    Stando al sito di Antonio Genna, nel 1939 Mario e Luigi Almirante assegnano ad Alberto Sordi la vittoria del concorso per la nuova voce di Ollio e questi, insieme a Mauro Zambuto, doppia I diavoli volanti già quello stesso anno: visto che Hal Roach non amava l’abitudine italiana di ricantare versioni locali dei brani musicali originali, pare che il produttore impedì la distribuzione nel nostro Paese di alcuni titoli, che riapparvero solo anni dopo.
    Però – aggiungo io – va ricordato che I diavoli volanti non è stato prodotto da Roach, quindi non è chiaro se sia rientrato nel “divieto” del produttore: se dunque Sordi e Zambuto l’hanno doppiato nel ’39… perché esce solo a fine ’41? La scarsità di notizie certe lascia la domanda in sospeso.

    Dal trailer italiano dell'epoca

    Dal trailer italiano dell’epoca


    Una curiosità. Dopo aver iniziato a doppiare Ollio, finalmente Alberto Sordi riesce ad ottenere una parte più sostanziosa delle semplici comparsate cinematografiche fatte fino a quel momento, così dal giugno 1942 lo si può sentire “in voce” ne I diavoli volanti e vederlo recitare come co-protagonista in un altro film “aviario” come I tre aquilotti di Mario Mattoli. Dato il periodo e dati i saluti fascisti di cui il film abbonda, non è uno dei titoli di Sordi che vengono presentati nelle retrospettive…

    Il mistero degli asini volanti

    Torino è una città ricca di misteri, e forse il meno noto è quello che unisce due celebri asini volanti. Il primo attraversò piazza Castello nel 1826, sospeso su una corda come attrazione carnascialesca, il secondo, anzi… i secondi volarono cento anni dopo sullo schermo di un cinema di Torino. Erano quelli del testo della canzone al tempo stesso più celebre e più misteriosa del doppiaggio italiano.
    Nella versione italiana de I diavoli volanti il doppiatore Alberto Sordi ricalca perfettamente il labiale e la gestualità di Ollio cantando però una canzone italiana, al posto dell’originale Shine On, Harvest Moon, un brano nostrano riconoscibile in A zonzo del cantante torinese Ernesto Bonino, che proprio nel 1939 iniziava la sua attività: stranamente però la canzone risulta essere del 1942, mentre invece appare già cantata da Ollio almeno nel dicembre 1941. Siamo sicuri che quanto tutte le fonti affermino sia esatto?
    a-zonzo-copertina-spartitoErnesto Bonino esce fuori spesso nelle cronache cittadine della Torino dell’epoca – la città dove I diavoli volanti esce in anteprima – presentato come grande cantante ed idolo della radio, ma la canzone è scritta da Gino Filippini (musica) e Riccardo Morbelli (parole) e sia lo spartito che il disco a 45 giri riportano chiaramente che il tema è tratto dal film di Laurel ed Hardy… non il contrario!
    La mia personale opinione è che Bonino si sia limitato a cantare una canzone estrapolata dal film – la cui musica Filippini aveva evidentemente già inciso, visto che infatti ricorre spesso nella pellicola italiana come colonna sonora – con parole riscritte da Morbelli. Non è stata A zonzo di Bonino adattata per il film, ma gli asini volanti di Ollio sono stati poi trasformati in una hit di successo.
    Purtroppo l’incredibile silenzio che avvolge qualsiasi questione di doppiaggio e resa italiana lascia spazio solo ad ipotesi e a ricostruzioni appassionate…

    Il mistero di Alberto Sordi

    Per oscuri motivi il noto attore e regista ha dosato con il contagocce le rivelazioni sulla sua lunghissima carriera di doppiatore: è molto facile sentir sbucare la sua voce, anche in piccoli ruoli marginali, in un qualsiasi film straniero uscito in Italia fino agli anni Cinquanta. Vista la grande notorietà di Sordi – a Roma è considerato in pratica un santo! – come mai le notizie del Sordi doppiatore sono rarissime e soprattutto eteree?

    «Sappia che io, effettivamente, a dirla schietta, avrei potuto essere il più grande basso del mondo. Possiedo delle corde vocali che mi consentono di prendere agevolmente il “fa” e scendervi sotto, oltre il “mi” e il “do”»

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    VHS Curcio 1992


    Così raccontava schiettamente Sordi nel 1959 alla rivista “Il Musichiere”, aggiungendo che cantava da sempre, sia per gli amici che per gli spettatori. Tanto che nel novembre 1991 la CGD di Vincenzo Mollica rilascia un cofanetto (in vinile ma è facile siano esistite anche copie per musicassetta) con le canzoni di Alberto Sordi: la prima è ovviamente Guarda gli asini che volano nel ciel.

    «Ho cercato di metter insieme i tasselli di un mosaico attraverso i collezionisti, gli archivi RAI, documenti giornalistici»

    Così Mollica spiega a “La Stampa” (30 novembre 1991) il suo metodo, ma la domanda rimane: il curatore è proprio sicuro che fosse Alberto Sordi a cantare la celebre canzone degli asini volanti?
    La domanda non è oziosa, la differenza di voce tra l’Ollio parlante e l’Ollio cantante è palese, inoltre le note alte stonano con quanto Sordi stesso affermava, cioè di essere un basso.
    Come sempre, la totale inesistenza di fonti certe lascia i dubbi in sospeso: gli asini volanti e chi li ha cantati rimangono uno dei misteri di Torino… (Ok, il doppiaggio è stato fatto a Roma, ma visto che il film è uscito in anteprima a Torino ne ho approfittato per chiudere la frase con enfasi!)

    Una curiosità di doppiaggio

    diavolivolanti_iPer finire, una piccola discrepanza di doppiaggio. Il film si apre con Stanlio e Ollio in posa per un pittore parigino, un artista ben mediocre che invece di un dipinto o di una semplice caricatura si limita ad un essenziale schizzo a matita. Ricevuto il quadro, Stanlio in italiano se ne esce con «Quello dev’essere un grande artista», guadagnandosi uno sguardo stupito di Ollio: perché?
    La risposta è nel testo originale, dove Stan dice «Jee, that’s real photography!»: l’espressione di Ollio dunque si giustifica perché il suo amico ha scambiato un ritratto a matita per una fotografia.

    Titoli di testa

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    Titoli di coda

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    L.
    P.S.
    Se simili resoconti vi interessano continuate a seguirci ogni venerdì qui su Doppiaggi Italioti e vi invito a venire a trovarmi anche sul mio blog Il Zinefilo: viaggi nel cinema di serie Z.

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  • [Italian credits] Amarti è la mia dannazione (1948)

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    Si avvicina il 25 dicembre e cosa c’è di più natalizio di un vecchio film in bianco e nero? Nulla scalda il cuore di un cinefilo come la fotografia impastata di una vecchia pellicola, con attori vecchi quand’erano giovani, voci italiane dallo spiccato carattere e il calore che scaturisce dall’assenza di colore.
    Di solito trovare i titoli italiani di vecchi film è molto raro, visto che spesso sono reperibili in copie rimasterizzate e quindi con i titoli in lingua originale, ma a forza di frequentare piccoli canali locali si possono avere colpi di fortuna insperati: così questa settimana vi presento un film d’annata come Amarti è la mia dannazione (So Evil My Love, 1948) di Lewis Allen.

    La storia

    amartiNon lasciatevi ingannare dal titolo italiano che ammicca a situazioni romantiche, è un noir duro e puro interpretato da un Ray Milland eccezionale come sempre.
    Tratto dal romanzo For Her to See (1947) di Joseph Shearing (pseudonimo maschile della scrittrice britannica Marjorie Bowen) – inedito in Italia – è la storia del mascalzone Mark Bellis (Ray Milland), dal bel viso e dalla parlata suadente, che riesce a far innamorare di sé la romantica Olivia Harwood solo per farsi mantenere da lei. Mark è un pittore di nessun talento che però ha un codice morale: finché si tratta di rubare quadri, magari a mano armata, va tutto bene, ma copiarli no. Ha troppo rispetto per i quadri dei maestri per offenderli ricopiandoli.
    Mark spinge Olivia sempre più giù nel gorgo del crimine fino a farle commettere un omicidio di cui sarà però incolpata una sua amica: mentre il nodo scorsoio incombe sull’incolpevole fanciulla, Olivia dovrà fare la più terribile delle scelte. L’amore o la vita…

    Distribuzione

    Per farvi apprezzare la qualità della chicca che vi presento, sottolineo che il film è inedito in home video: dopo la sua uscita nei cinema italiani del 20 maggio 1949, dagli anni Ottanta gira per piccole reti televisive senza mai conoscere alcun altro tipo di distribuzione. Questa condizione di “esclusione” ce l’ha però preservato in pratica identico alla prima uscita italiana.

    «L’appassionante storia di una donna che dopo aver dato tutto, sino a perdersi, all’uomo che ama e dal quale crede di essere amata, si ribella sino ad uccidere di fronte all’improvvisa rivelazione del tradimento»
    da “La Stampa”, 19 maggio 1949

    Il doppiaggio

    Le informazioni sono estrapolate dal sito di Antonio Genna.

    Personaggio Attore Doppiatore
    Mark Bellis Ray Milland Giulio Panicali
    Olivia Harwood Ann Todd Lydia Simoneschi
    Susan Courtney Geraldine Fitzgerald Andreina Pagnani
    Edgar Bellamy Raymond Lovell Emilio Cigoli

    La lettera

    Il film appartiene a quella schiera di pellicole in cui la distribuzione italiana ha sovrapposto delle scritte italiane nei momenti in cui sono inquadrate frasi inglesi: in questo caso, come in molti dell’epoca, c’è una lettera in primo piano che la protagonista legge, e la vediamo scritta in italiano.
    Da ragazzino ricordo che tutti i film in bianco e nero che vedevo avevano scritte in italiano: forse la mia memoria esagera, magari non tutti, ma comunque era una pratica ampiamente utilizzata e purtroppo dimenticata. Ci pensa questa rubrica a ricordarla… quando la becca!
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    Per i titoli che seguono ho preferito lasciare il “nero” intorno e il logo di Retecapri, perché graficamente mi sembra troppo delizioso per modificarlo.

    Titoli di testa

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    Titoli di coda

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    L.
    P.S.
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  • Doppiatori di menare: storia delle "voci" del cinema marziale

    Donnie Yen in Rogue One: A Star Wars Story Photo by Jonathan Olley (© 2016 Lucasfilm LFL)

    Donnie Yen in “Rogue One: A Star Wars Story” (Photo by Jonathan Olley © 2016 Lucasfilm LFL)


    L’arrivo nei nostri cinema di Star Wars: Rogue One, lo scorso 15 dicembre, ma anche l’uscita il prossimo 19 gennaio 2017 di xXx: il ritorno di Xander Cage, costringerà il grande pubblico italiano a fare i conti con quell’attore cinese cinquantenne presente in entrambi i titoli in ruoli importanti, lo stesso attore che pare abbia fatto slittare l’uscita di Star Wars VII in Cina perché lui doveva presentare un proprio film e non voleva “dispersioni” di pubblico. L’Occidente l’ha scoperto tardi, e l’Italia più tardi di tutti, ma Donnie Yen è la più grande star marziale mai vissuta, ed ha stracciato ogni record imposto dai suoi “colleghi” precedenti.
    Il problema è che la prima volta che si è affacciato in Italia, nel 2001, ha subìto uno smacco che mai i precedenti divi marziali hanno avuto: è stato doppiato malissimo. Perché se da una parte il nostro Paese è tra i più distratti a livello cinematografico, e discutibili politiche di distribuzione fanno sì che si importino preferibilmente i prodotti più economici – cioè i peggiori, che rovinano il mercato e il gusto – dall’altra abbiamo un grande pregio: a livello di doppiaggio siamo stati fra i pochi al mondo ad avere una qualità altissima in campo marziale.
    Vi invito ad un viaggio alla scoperta del fenomeno marziale in Italia e di come le grandi star asiatiche di questo genere siano state doppiate.

    Doppiatori di menare


    Indice:


    Le cinque dita di Lo Lieh

    cinque-dita-di-violenza-1973-02-21Il 27 gennaio 1973 la cultura popolare italiana cambia per sempre. In un cinema di Roma, il Royal di San Giovanni, viene proiettato per la prima volta un film di genere totalmente inedito, qualcosa mai visto nel nostro Paese: Cinque dita di violenza (King Boxer, 1972). È un filmetto che sarebbe già dimenticato se non avesse infiammato il mondo con la sua violenza di grana grossa – rimarrà paradigmatica la scena dello strappo degli occhi – e un’altra particolarità che nessuno spettatore aveva mai visto prima: c’è gente che si picchia a mani nude usando strane mosse. (In realtà un altro film era già stato proiettato, ma ne riparlerò più avanti.)

    Le arti marziali orientali erano ben note in Italia sin dagli anni Sessanta ma erano viste come qualcosa di particolarmente violento e volgare: per i ben pensanti sono i criminali e i poco di buono ad alzare la mano verso qualcuno, non i gentiluomini, mentre per i giovani sessantottini era identificata come roba da fascisti. Si perdonava agli agenti segreti, da James Bond a Matt Helm, di usare ogni tanto tecniche marziali, per “esigenze di servizio”, le stesse che poi avrebbe usato il criminale a fumetti Diabolik per anni, così come era socialmente accettata la scazzottata virile che si vedeva nei film americani: tutt’altro discorso era usare tecniche “mortali” di karate o kung fu.

    «Con un cartello si avvisa lo spettatore facilmente influenzabile che l’imitazione del “Kung-Fu”, la forma di lotta in uso nell’Oriente e reclamizzata nel film, condurrebbe a gravi e irreparabili lesioni se non alla morte dell’avversario. La potenza didattica del cinema, la sua foza di convinzione!»
    da “L’Unità”, 27 gennaio 1973

    Disprezzato da ogni forma di comunicazione, con l’accompagnamento di cori indignati e di richieste di bando, il cinema marziale entra prepotentemente in Italia e il primo divo marziale della nostra storia è quello meno abile: Lo Lieh, divo assoluto di Hong Kong sebbene sia mono-espressivo ed abbia solo vaghe conoscenze marziali imparate sul set.

    cinque-dita-di-violenza-1973-03-17Il cinema di Hong Kong nel venir esportato negli Stati Uniti ha conosciuto un doppiaggio pieno di caratterizzazioni e scelte di cattivo gusto, però questo l’ha reso parte integrante della cultura popolare. Ancora negli anni Ottanta il comico Michael Winslow nel ciclo Scuola di polizia faceva la gag in cui imitava il doppiaggio fuori sincrono tipico dei film asiatici portati nel suo Paese (una gag che semplicemente non trovava molti appigli nella nostra cultura. NdR). Il folto gruppo rap Wu-Tang Clan – fondato da quel RZA che dirigerà L’uomo con i pugni di ferro (2012) – nel 1993 riversa la propria titanica passione marziale nell’ottimo album Enter the Wu-Tang (36 Chambers), in cui a remixaggi di veri brani originali – come lo straziante splendido tema di Boxer Rebellion (1976) – aggiungono campionature di dialoghi tratti da storici film di Hong Kong. Sono doppiaggi terrificanti ma dimostrano quanto siano entrati nella cultura popolare.

    Per fortuna nel nostro Paese, che non aveva problemi a caratterizzare eccessivamente i personaggi – si pensi all’immancabile vecchietto nel Far West – sin da subito il genere marziale viene trattato con i guanti, e la star Lo Lieh ottiene la voce di Michele Kalamera, autorevole doppiatore di grandi attori come Clint Eastwood, Michael Caine e tanti altri. Credo che nessun Paese “doppiante” abbia dedicato tanto ad un piccolo filmetto marziale.

    Malgrado Cinque dita di violenza sia pessimo, entra di prepotenza nell’immaginario popolare italiano. Nel dicembre di quell’anno esce al cinema Furto di sera, bel colpo si spera di Mariano Laurenti, dove il noto comico Pippo Franco, sentendosi minacciato di botte, esclama: «Ahò, che mi fai: cinque dita di violenza?» Questo fa sì che l’inespressivo Lo Lieh diventi un nome amato dagli italiani e diversi registi lo chiameranno ad interpretare prodotti nostrani spacciati per americani, affiancandolo addirittura a decani come Lee Van Cleef: non pago di aver introdotto il kung fu sugli schermi italiani, Lo Lieh si ritrova ad essere valido esponente dell’italianissimo kung fu western (o come lo chiamo nel mio saggio, “spaghetti marziali”) con un film come Là dove non batte il sole (1974) doppiato da Adalberto Maria Merli. Ma questa è un’altra storia…


    Il furore di Bruce Lee

    Il successo travolgente spinge i distributori nostrani a battere il ferro finché è caldo, così pressano Hong Kong per farsi mandare qualsiasi altro prodotto abbiano sotto mano. C’è la Shaw Bros, leader incontrastata del mercato che offre prodotti di altissima qualità ma a prezzi non economici, e poi c’è la neonata Golden Harvest, che cerca di sopravvivere all’ombra della titanica concorrente offrendo prezzi più abbordabili. Ovviamente i prodotti sono quello che sono, ma guarda caso è disponibile il nuovo film di quell’attore che non è riuscito a sfondare in America ed è tornato in patria con la coda tra le gambe: per caso interessa? Si menano come fabbri dall’inizio alla fine. Ok, andata. Il 1° marzo 1973 la Titanus presenta in ben tre cinema di Roma il film Dalla Cina con furore (Fist of Fury, 1972), e la mania per il cinema marziale raggiunge livelli inarrestabili.

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    La recitazione di Bruce Lee è problematica. È un attore consumato, recita da quando aveva sei anni, ha provato a conquistare Hollywood ma ha capito che nessun colpo di kung fu può nulla contro il razzismo, così è tornato in patria a fare quello che la classe popolare adora: il bullo. È pieno di attori impegnati in commedie musicali o romantiche, ma nessuno sa fare lo smargiasso altezzoso come Bruce, così si veste dell’orgoglio nazionale e interpreta un cinese medio alle prese con i nemici più acerrimi e disprezzati: giapponesi ed occidentali. Nasce dunque un problema: come lo doppi un attore che volutamente fa espressioni contratte in continuazione ed esagera ogni gesto?

    Per fortuna in Italia si gioca una carta di altissima classe: Cesare Barbetti, che con la sua voce potente ma vellutata regala a Bruce Lee la migliore resa possibile e immaginabile. Lo studio romano di doppiaggio CD in generale dedica una particolare cura a tutti i personaggi del film, anche di quelli minori: quei caratteristi cioè che di solito il cinema di Hong Kong riserva per i momenti comici o buffoneschi. Ogni personaggio ha un’ottima voce, e per fortuna lo stesso studio viene coinvolto quando – dato l’enorme successo della pellicola – i distributori corrono a cercare qualsiasi altro film sia interpretato da quel tizio che fa le boccacce e i versi strani. Purtroppo, ne esiste solamente un altro.

    lurlo-di-chen-1974-04-04Stavolta l’eco mediatica è di livello basso, così quasi senza lancio pubblicitario il 14 aprile 1973 la Titanus presenta a Torino Il furore della Cina colpisce ancora (The Big Boss, 1971), che arriverà nei cinema romani solamente ad ottobre: la voce è sempre dell’ottimo Cesare Barbetti. Lo studio CD ha mandato di ribattezzare il protagonista Chen, perché per gli italiani Bruce Lee sarà sempre Chen su grande schermo, così un allievo di una scuola marziale di inizio Novecento e un contadino ignorante emigrato in Thailandia negli anni Settanta si ritrovano ad essere in pratica sempre lo stesso personaggio…

    Il 18 gennaio 1974 sempre la Titanus porta nei cinema romani L’urlo di Chen terrorizza anche l’Occidente (Way of the Dragon, 1972), chilometrico titolo che ancora una volta ci fa credere che il protagonista sia quel Chen. Stavolta è Bruce Lee stesso il regista e aver girato alcuni esterni a Roma l’ha reso così simpatico… che ancora oggi i romani sono convinti che il combattimento finale sia girato davvero al Colosseo, dimostrando quanto gli abitanti della Capitale non conoscano quel monumento! Torna lo studio CD e anche qui abbiamo una splendida gestione del doppiaggio, con il consueto Barbetti che dà la voce a Lee. Per l’ultima volta.

    Il 20 luglio 1973 l’attore muore e il mondo cinematografico rimane orfano di un money-maker d’eccellenza. Sei giorni dopo la sua dipartita, esce l’ultimo film girato dall’attore: Enter the Dragon, evento storico perché per la prima volta una blasonata casa americana si è “abbassata” a co-produrre con una casa asiatica: la giovane ma già talentuosa Golden Harvest, che cerca di fare concorrenza alla blasonata Shaw Bros. Finora i film di Lee sono venuti via a due spicci, ma ora che c’è la Warner di mezzo il discorso cambia: questo film sarà ignoto agli italiani per decenni, semplicemente perché distribuito pochissimo in quanto più costoso degli altri.

    i-3-delloperazione-drago-1973-12-28Il 28 dicembre 1973 arriva a Torino come I 3 dell’Operazione Drago, un titolo meno “marziale” ma che si riallaccia a temi spionistici più in voga all’epoca, e in effetti il film è una martial spy story. Il doppiaggio è affidato stavolta alla storica SAS (Società Attori Sincronizzatori) che gestisce ottimamente la caratterizzazione dei personaggi di un film corale. Il cinese Lee ottiene la voce di Carlo Sabatini, l’italo-americano John Saxon quella di Pierangelo Civera e il nero superbad Jim Kelly quella di Pierluigi Zollo. Chiude il ciclo il perfido Han con la voce di Emilio Cigoli. Ognuno di questi doppiatori sa fornire al personaggio la giusta connotazione e la giusta differenza etnica senza mai esagerare né cadere nel luogo comune.

    Qui finisce il mito di Bruce Lee, ma un ultimo colpo di coda arriva a sorpresa il 25 agosto 1978, quando in alcuni cinema di Roma la Titanus presenta un curioso film: L’ultimo combattimento di Chen (The Game of Death, 1978). È una truffa bella e buona, che racconto con dovizia di particolari (anche inediti) in un lungo speciale che gli ho dedicato, ma per gli italiani quella baracconata firmata da Sammo Hung è davvero l’ultima prova attoriale di Lee. Per l’occasione arriva lo studio CVD e dà al protagonista… va be’, ai vari sosia cinesi che fingono di essere Lee, la voce di Luigi La Monica. Un’ottima voce per un pessimo prodotto.


    Le mani di Angela Mao

    Cinque dita di violenza a gennaio e Dalla Cina con furore a marzo fanno capire subito quali siano i gusti degli spettatori, e sebbene non esista organo di stampa che non si lanci in mille insulti verso questo cinema barbaro e traviante, i distributori vanno a “colpo” sicuro. Riescono addirittura a portare in Italia un prodotto impensabile ancora per i decenni a seguire: un film dove una donna picchia degli uomini! L’attenta Fida Cinematografica il 6 aprile 1973 porta sugli schermi romani Mani che stritolano (Lady Whirlwind, 1972) dove la brava Mirella Pace dona la voce alla mitica Angela Mao, in assoluto tra le prime donne a combattere a mani nude su schermo.

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    Forse è per attrarre il “sesso debole”, si chiede lo schifato recensore de “L’Unità” che racconta il film il 7 aprile successivo, facendo ben notare che ad ogni pellicola del genere si apra una nuova palestra di karate in città, in ambienti già fascisti. Al di là di questo immotivato giudizio personale – che comunque rappresenta perfettamente il sentire comune dell’intellighenzia dell’epoca – il critico fa notare che questo è il sesto film cinese di arti marziali dall’inizio dell’anno, ed in effetti i conti tornano: 1) Cinque dita di violenza; 2) Dalla Cina con furore; 3) La morte nella mano; 4) Le 4 dita della furia; 5) Da Hong Kong: l’urlo, il furore, la morte e 6) Mani che stritolano.

    Il critico però sbaglia, i film sono sette ma non si può fargliene una colpa: il titolo “dimenticato” lo rimarrà molto a lungo. Quello che già nel 1973 non si ricordava più era che il genere in Italia aveva avuto un inizio anni prima, con l’arrivo di uno dei più famosi wuxiapian del mondo, che solo i più appassionati degli spettatori nostrani hanno poi saputo apprezzare…


    Il braccio di Wang Yu

    Con un divieto ai minori di 18 anni, il 2 dicembre 1969 si affaccia timidamente nei cinema di Torino il film Mantieni l’odio per la tua vendetta (One-Armed Swordsman, 1967), storica opera del maestro Chang Cheh che lancia il personaggio di Fang, lo spadaccino monco, che anni dopo viaggerà fino in Giappone per incontrare… Zatôichi, lo spadaccino cieco! (Il personaggio di Fang è così affascinante che io stesso mi sono divertito a rielaborarlo, calandolo nel progetto narrativo “Risorgimento di Tenebra” e trasformandolo in Fango per il mio racconto lungo Fuoco e Fango.)

    Primo film marziale apparso in Italia, passato del tutto inosservato all'epoca

    Primo film marziale apparso in Italia, passato del tutto inosservato all’epoca

    Sicuramente il pubblico occidentale non era pronto a vedere un protagonista che, battuto in combattimento, è costretto a tagliarsi via da solo il braccio destro per poi imparare a diventare fenomenale con il sinistro, così da trovare redenzione. Né ha aiutato la distribuzione traballante, che ha misteriosamente cambiato il nome dell’attore protagonista in… Oswald Gis. Ma che nome è? Anni dopo, però, con Lo Lieh e Bruce Lee nei cinema l’Italia è pronta al vero eroe che nel ’69 era stato mascherato dietro quel ridicolo pseudonimo: Jimmy Wang Yu. (Doppiato in quel film da Massimo Turci.)

    con-una-mano-ti-rompo-1973-05-23L’attore riesce ad essere ancora più incapace di Lo Lieh, è forse la persona meno in grado di combattere che esista al mondo, è un campione di nuoto che un giorno si è trovato davanti alla telecamera e ha scritto da solo la storia della cinematografia di Hong Kong… semplicemente perché ha avuto la fortuna di lavorare per titani che hanno saputo mascherare la sua totale inettitudine. La casa distributrice italiana Astor non bada certo a questi particolari, così il 9 marzo 1973 – a soli otto giorni di distanza da Dalla Cina con furore – porta nei cinema di Roma La morte nella mano (The Chinese Boxer, 1970), non sapendo che si trattasse di uno dei grandi capolavori del genere: è probabilmente il primo film che mostra combattimenti a mani nude, cioè l’origine del genere gongfupian.

    La Nuova Linea Cinematografica porta nelle sale di Torino il 17 aprile successivo lo storico Con una mano ti rompo, con due piedi ti spezzo (One-Armed Boxer, 1972), con Wang Yu che interpreta sempre un monco ma stavolta non uno spadaccino bensì un semplice lottatore. L’attore diventa in breve tempo molto famoso, tanto che la Euro International Films porta nei cinema di Torino il 18 agosto 1973 Wang Yu l’imbattibile (The Invincible, 1972), mentre il 28 maggio 1974 la Cervino distribuisce a Roma Wang-Yu il violento del karate (Knight Errant, 1973).

    Purtroppo non sono riuscito a trovare informazioni sui doppiatori di questo attore: le rare edizioni italiane rimaste di questi film non hanno titoli esaustivi.


    La “y” di Jackie Chan

    L’Italia degli anni Settanta era un’altra Italia, oggi irriconoscibile, così dopo la morte di Bruce Lee addirittura i quotidiani si chiedono chi riempirà il vuoto lasciato dall’attore marziale, e il 15 marzo 1979 “La Stampa” fornisce la risposta: Jacky Chan, con la “y”.

    Scoperto da Sze-Yuan per alcuni suoi film, scopriamo che l’Italia del ’79 addirittura cita l’opera del decano Siu Tin Yuen, il mitico drunken master del film omonimo, il papà di quel Yuen Woo-ping noto ad Hollywood per le sue coreografie di Matrix e Kill Bill. Non pago di questa sorpresa, il giornale ci rivela gli ultimi due film girati da “Jacky”: La iena senza paura e Il serpente all’ombra dell’aquila. Entrambi i titoli sono rarità sconosciute: Fearless Hyena apparirà e scomparirà in Italia con la velocità del lampo, mentre bisognerà aspettare il 2003 per riscoprire il secondo titolo in DVD. Per poter apprezzare cioè qualcosa che nel 1979 era dato per scontato.

    Al di là di questo, l’Italia del dopo-Bruce Lee è pronta ad accogliere un nuovo “re del kung fu”, e quindi – per citare l’avv. De Marchis di Febbre da cavallo (1976) – basta «il primo stronzo che passa» per dargli la corona. In mezzo al guazzabuglio di nomi farlocchi e filmacci pencolanti che arrivano da Hong Kong, nella stragrande maggioranza wuxiapian (film fantasy con cavalieri svolazzanti) mascherati da gongfupian (film dove si combatte a mani nude), non c’è un solo nome che possa avere un minimo di attenzione: l’unico è Jackie… stavolta senza “y”.

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    Qual è il sistema italiano usato per lanciare Bruce Lee? Si prende il primo film che capita e lo si lancia come fosse un capolavoro, poi si prende un titolo precedente e lo si rimaneggia in attesa che l’attore produca qualcosa di nuovo. E così avviene… solo che il risultato è che l’attore non è stato lanciato bensì bruciato.

    Il 24 gennaio 1981 la PIC porta nei cinema torinesi Chi tocca il giallo muore (Battle Creek Brawl, 1980): «Jackie Chan, il kung-fu che fa morire dal ridere» è il titolo del pezzo che gli dedica “L’Unità” quando il film arriva a Roma, il 3 marzo successivo. Al di là del ridicolo titolo, in perfetto stile italiano, all’epoca ancora non si sa che la Golden Harvest, orfana di Bruce, sta provando a lanciare Jackie in America e che per farlo si affida al peggior regista dell’epoca: Robert Clouse. Tutti quelli che hanno lavorato con lui in Asia lo disprezzano, ma ha contatti con la Warner Bros e dopo il grande successo de I 3 dell’Operazione Drago e L’ultimo combattimento di Chen è il regista di Bruce Lee. (Non è vero, ma tutti lo pensano.) Clouse dirige una porcata inguardabile dove un gruppo di attori funamboli cinesi va in America a fare il verso agli americani: una roba da picchiare Jackie con un giornale arrotolato. Ok, il primo brutto film è fatto.

    jacky-chan-la-mano-che-uccide-1982-05-05

    Gli italiani procedono spediti e la Medusa il 24 luglio 1981 porta su schermo Jacky Chan: la mano che uccide (1979), che verrà rilanciato con più enfasi dal 5 maggio 1982. Un classico gongfupian come ormai però ce ne sono tanti: così un altro bel buco nell’acqua l’abbiamo fatto. Malgrado Jackie sia famoso per aver recitato nel The Hand of Death di John Woo, stando ai credits italiani della locandina italiana del film – che va sempre presa con beneficio d’inventario – Jacky Chan: la mano che uccide è probabilmente la versione italiana (dimenticata) di Fearless Hyena (1979), ma è difficile stabilirlo con assoluta certezza e per il fumoso cinema asiatico i database occidentali non sono completamente affidabili.

    protector-1986-06-21

    Jackie non ha il successo sperato nei cinema italiani e viene in pratica quasi dimenticato. Nel 1985 prova di nuovo a conquistare l’America con Protector – che decenni dopo verrà ricalcato da Rush Hour – un filmetto da dimenticare, un finto poliziesco all’americana che arriva nei cinema romani il 23 maggio 1986: solamente nel 1995 Jackie riuscirà a sfondare, arrivando ad avere una buona distribuzione anche da noi. Solamente dopo che Van Damme dal 1989 avrà fatto esplodere una richiesta titanica di film marziali. Solamente con Terremoto nel Bronx (Rumble in the Bronx, 1995) Jackie diventerà quello che è oggi, dopo quasi vent’anni di gavetta.

    terremoto-nel-bronx-1996-08-30

    Jackie è un attore che ha sempre recitato in cantonese e, per sua stessa ammissione, non si è mai sentito a proprio agio a recitare in inglese. Se dunque nelle versioni anglofone dei suoi film la parlata un po’ buffa aiuta nella recitazione gigionesca, in Italia ha avuto la fortuna di ricevere la voce di Giuliano Giacomelli, che lo doppia sia nei primi film che arrivano al cinema – Chi tocca il giallo muore e Jacky Chan: la mano che uccide – sia nei mitici film che hanno scritto il suo successo (quelli sì che andavano proiettati!) arrivati da noi solo in home video negli anni Ottanta e riscoperti poi nel 2000 in DVD – Il ventaglio bianco (The Young Master, 1980), I due cugini (Dragon Lord, 1982), Project A (1983) e via dicendo. Il doppiatore sa essere frizzante o serio all’occorrenza e dona a Jackie una splendida resa italiana, priva di qualsiasi inflessione o stortura.

    Quando poi finalmente Jackie sfonda in Occidente, al doppiaggio arriva Oreste Baldini che copre alcuni dei film di cassetta di quel periodo: Terremoto nel Bronx (1995), Thunderbolt (1995) e First Strike (1996). Il successo fa portare nelle nostre videoteche altri ottimi titoli, doppiati da Vittorio De Angelis: Drunken Master (1978), Supercop (1992), Mr. Nice Guy (1997, il mio film preferito di Jackie del periodo) e Senza nome e senza regole (Who Am I?, 1998).

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    Raggiunto il culmine, Jackie perde totalmente l’interesse italiano: sia perché negli anni Duemila comincia ad essere un po’ imbarazzante nel suo ripetere ossessivamente coreografie nate negli anni Settanta, sia perché sul finire dei ’90 nel mondo occidentale – e nel nostro Paese in particolare – si comincia a rifiutare violentemente ogni tipo di marzialità. Il genere “arti marziali” scompare dai cataloghi e il massimo consentito nei film è una scena fatta male, di pochi secondi, in un film d’azione: non di più. Il film più “marziale” di questo periodo è Matrix, con un legnoso e incapace Keanu Reeves che fa cose che farebbero morire di vergogna l’ultimo scarto di palestra, ma quello è il massimo che l’Occidente offre alle arti marziali.


    Il cinese Jet Li

    fist-of-legend-vhsPer fortuna esiste una Resistenza che, di nascosto, continua ad apprezzare i buoni prodotti. Così se il grande schermo è assolutamente vietato a chiunque sappia combattere… c’è sempre il mercato home video. Nell’indifferenza più totale e nel disinteresse più profondo arriva in Italia in questi anni la più grande star marziale dell’epoca: Jet Li. Ormai in Italia il genere marziale è prerogativa di pochi rivoluzionari isolati, a cui rimane solo la pessima Cecchi Gori che porta in videoteca film che in Asia sono considerati di culto.

    Jet Li – che da bambino si esibì in uno spettacolo marziale alla Casa Bianca davanti a Nixon – è dal 1980 che sforna film marziali di altissimo profilo nella totale indifferenza del nostro Paese. Quando però nel 2000 la Dimension Films compra alcuni spettacolari film che definire capolavori è riduttivo, l’Italia è lì che scalpita… Che facciamo, lo distribuiamo il più grande divo marziale dell’Asia? Però in Italia c’è il divieto assoluto di presentare film che abbiamo più di trenta secondi di marzialità: in questo curioso Paese si chiama “combattimento” la scena di Mission: Impossible 2 (2000) con Tom Cruise che fa le capriole sulla spiaggia… gli spettatori non sono pronti per un dio marziale come Jet Li. Alla fine, il compromesso arriva: i capolavori marziali arrivano nelle nostre videoteche nel 2001… ma in lingua originale sottotitolati!

    Perché la Dimension Films ha distribuito in Occidente un gruppo di film di altissimo livello di Jet Li? Semplice, perché nel 1998 gli spettatori occidentali hanno scoperto l’attore come cattivo di Arma letale 4. Il celebre produttore Joel Silver sta dicendo a tutti di aver “scoperto” un divo d’azione a cui affiderà prossimi titoli da protagonista (e purtroppo manterrà questa insana promessa) ma si sa che ad Hollywood esiste una legge ferrea per gli stranieri: prima muori, poi fai il protagonista. Jet Li non è MAI morto nei suoi film, addirittura ha girato il remake di Dalla Cina con furore – storico film dove il protagonista muore – ed è sopravvissuto alla fucilazione finale! Jet, come Jackie e come tanti altri attori, impone per contratto di non morire MAI… ma in quel 1998 Silver deve aver messo sul tavolo così tanti soldi che Jet prende e muore.

    lethal-weapon-4-engSubito dopo Arma letale 4 – dove ha la voce di Enrico Di Troia – i suoi film girano per i mercati occidentali e la Cecchi Gori va a raschiare il barile, portando in videoteca La vendetta della Maschera Nera (Black Mask, 1996), dove Jet è doppiato ottimamente da Vittorio Guerrieri. Purtroppo gli italiani devono assolutamente rimanere all’oscuro che c’è un divo marziale in circolazione, perché ufficialmente il genere non esiste più, così scatta un piano diabolico degno del Dottor Male: ogni film di Jet Li… deve avere un doppiatore diverso!

    black-mask-vhs-itaCosì nel 2000 si avvera la profezia di Joel Silver ed ecco il film da protagonista Romeo deve morire (Romeo Must Die, 2000) con la voce di Francesco Prando; Luc Besson, che c’ha l’occhio lungo e in Francia gli attori marziali sono molto amati (pensa che strano Paese…) chiama subito Jet e gli fa girare lo spy action Kiss of the Dragon (2001), con la voce di Francesco Pezzulli; visto che Romeo è stato un flop, Jet prova con la fantascienza e gira l’orripilante e sbagliatissimo The One (2001), con voce di Antonio Sanna – che lo doppia anche nell’ottimo C’era una volta in Cina e in America (Once Upon a Time in China and America, 1997), che la Cecchi Gori prontamente porta in videoteca – e dopo l’imbarazzante Amici X la morte (Cradle 2 the Grave, 2003), con voce di Gaetano Varcasia, per fortuna la carriera americana di Jet può dirsi conclusa.

    Nel 2002 gira quell’immenso capolavoro di storia falsa e revisionistica che è Hero, che alterna immagini potenti ad un revisionismo storico degno del peggior regime, in cui le poche battute dell’attore sono rese in italiano da Fabio Boccanera, lo stesso che doppia il fugace ritorno di Jet negli USA con Rogue Il solitario (War, 2007). Dopo il francese Danny the Dog (2005) con la voce di Riccardo Rossi, la carriera di Jet conosce l’apice e il pedice: Fearless (2006), con di nuovo Fabio Boccanera al doppiaggio, è sia il film più famoso di Jet che l’ultimo decente da protagonista. Possiamo dire che la sua carriera finisce qui.

    sette-spade-della-vendetta-dvd-itaIntanto in videoteca fa furore. Nel 2002 la Elleu porta Le sette spade della vendetta (The Evil Cult, 1993) con la voce addirittura di Claudio Capone; nel 2003 la Columbia esagera e presenta una tripletta di film in pregiate (e costose) edizioni DVD: il wuxiapian classicissimo La leggenda del drago rosso (Legend of the Red Dragon, 1994) con la voce di Vittorio De Angelis, la versione cinese di Die Hard Meltdown (1995) con Massimo De Ambrosis e Contract Killer (1998) con Simone Mori.

    Quasi ritirato, Jet pensa bene di provare a sparare qualche cartuccia facendo capolino nella saga degli Expendables di Stallone, giusto una comparsata inutile per farsi prendere in giro e finire in pernacchia un’onorata carriera. (Sempre meglio di Jackie, che continua a fare il clown nei suoi insopportabili filmetti invece magari di fare il produttore e scoprire altri Jackie, come fecero i suoi maestri negli anni Settanta.) Quando così il 1° settembre del 2010 I mercenari arriva in Italia, il direttore del doppiaggio scopre qualcosa che nei vent’anni precedenti era sfuggito a tutti: Jet Li è cinese…

    expendables-2-movie-poster-jet-liTutti i doppiatori sin qui citati hanno fatto un lavoro eccezionale, donando una voce perfetta all’attore e soprattutto rendendola adatta al personaggio: Jet Li nei suoi film interpreta sempre e solo e rigorosamente l’eroe sì buono ma risoluto se non proprio brusco, che combatte per il bene con la serietà e la seriosità di un maestro di arti marziali. La voce italiana si è sempre adattata alla perfezione a questo ruolo, anche negli inevitabili siparietti comici tipici di Hong Kong. Quando ha recitato con attori occidentali, e gli è capitato spesso, il doppiaggio italiano non ha fatto alcuna distinzione o discriminazione, guadagnandosi le lodi più sentite. Poi però…

    Siamo d’accordo, un omino di un metro e 68 stona un po’ in mezzo a cristoni “ammericani” cresciuti a steroidi, ma è proprio questo il motivo della sua presenza: farlo litigare con i due metri di Dolph Lundgren è appunto il contrasto che voleva Stallone. Siamo d’accordo, è cinese – non della anglofona Hong Kong, proprio della Cina comunista! – e sicuramente avrà un po’ di cadenza malgrado da trent’anni sia un divo del cinema internazionale… ma dargli la voce di Mino Caprio è stato davvero inappropriato. Con tutto il rispetto per il bravo doppiatore romano, il cui lavoro con Peter Griffin meriterebbe un Oscar, il risultato è un distacco troppo forte: sembra che attori veri stiano parlando con un cartone animato!

    Perché non chiamare uno dei tanti doppiatori che hanno donato splendida voce a Jet Li? Perché chiamare una voce così caratteristica per un personaggio che non meritava alcuna caratterizzazione? Quel che è peggio è che questa scena indecorosa può vantare un triste precedente…


    Il maestro Donnie Yen

    highlander-4-endgame-3Il 3 settembre 2001 la famigerata Cecchi Gori porta in DVD e VHS a noleggio un film funesto, il quarto terrificante episodio di una saga che non doveva conoscere assolutamente seguiti: Highlander: Endgame (2000). È comprensibile che gli allibiti spettatori, con gli occhi bruciati da un film tanto orripilante, non abbiano fatto caso che per la prima volta un film occidentale presentava la più grande star marziale asiatica…

    Dal 1984 Donnie Yen porta avanti una grande carriera come attore marziale attraversando tutti i generi che i suoi colleghi più famosi man mano lanciano. Negli anni Ottanta va la comedy kung fu alla Jackie? E lui la fa. Poi va di moda il police drama? E lui ci si specializza. Non dimentichiamo che Hong Kong vive sempre e costantemente di wuxiapian, e lui li fa. E qualsiasi cosa lui tocchi, diventa oro. Quale sarà mai il segreto di Donnie Yen? Credo che sia che non ha mai tentato di arruffianarsi gli americani, come hanno fatto tutti i suoi colleghi, da Bruce Lee in poi. Donnie lavora per i cinesi e l’Asia, e per popoli ultranazionalisti come quelli è un valore che non passa inosservato. Mentre Jackie e Jet si calano le brache davanti ai dollari americani, rovinandosi la carriera, Donnie va a testa alta sfornando film di qualità sempre maggiore, creando prodotti di altissimo livello impensabili per le altre stelle marziali: nessuno dei nomi sin qui citati sarebbe mai stato in grado di interpretare un piccolo gioiello come Dragon Tiger Gate (2006) senza sembrare ridicolmente fuori parte.

    seven-swords-4L’Occidente lo ignora finché non succede qualcosa di inspiegabile e Donnie, praticamente inedito, comincia a fare stupidi piccoli ruoli inutili: che i dollari americani comincino a piacere anche a lui? La vera domanda è: quanto lo hanno pagato per abbassarsi così tanto?

    Lo troviamo dunque nella immotivata comparsata in Highlander: Endgame al suo solito, cioè molto “figo”: Donnie non è un gigione sorridente come Jackie né un serioso taciturno come Jet. Donnie è un cazzuto protagonista che se la comanda ovunque, e piomba in scena come fosse il suo film. Peccato però… che poi apra bocca ed esca fuori la voce di Vittorio Stagni

    Siamo d’accordo, anche Donnie è cinese e sicuramente in un film con attori americani la sua cadenza si nota, ma dargli una voce così fortemente caratterizzata è una scelta discutibile, soprattutto perché poi l’attore assume atteggiamenti da duro che contrastano fortemente con la voce italiana.

    ip-man-1-8Per fortuna il suo piccolo ruolo successivo, lo spadaccino di Blade II (2002), è talmente inutile che l’attore non ha neanche una battuta, e poi nel suo piccolo (e parimenti inutile) ruolino in 2 cavalieri a Londra (Shanghai Knights, 2003) lo si nota appena, anche se ha la voce “normale” di Pasquale Anselmo. Per fortuna i rarissimi titoli di Donnie che arrivano in Italia hanno un trattamento migliore del primo, sebbene da noi vengano distribuiti solo i film in cui l’attore è particolarmente taciturno, tipo il wuxiapian da mal di testa Seven Swords (2005), con la voce addirittura di Pino Insegno. Purtroppo capolavori inarrivabili come SPL: Sha po lang (2005) non sembrano avere speranze di arrivare nel nostro distratto Paese.

    Per fortuna l’enorme clamore internazionale per Ip Man (2008) ha spinto anche i nostri sordi distributori a farlo arrivare in Italia, stupendoci con la scelta coraggiosa di lasciare lo stesso doppiatore – Vittorio Guerrieri – per tutti e tre i film del personaggio, nel 2008, 2010 e 2015.


    Le ginocchia di Tony Jaa

    ong-bak-1-nato-per-combattere-8Donnie Yen non è mai stato lanciato in Italia come star marziale, anche perché in pratica è stato scoperto solamente nel 2008 grazie ad Ip Man. Che finalmente i distributori nostrani abbiano capito che devono smetterla di etichettare “il nuovo Bruce Lee” chiunque abbia gli occhi a mandorla? Eppure ancora nell’estate 2004 i trailer televisivi usavano quell’espressione per lanciare il thailandese Tony Jaa.

    Portato in Francia da Luc Besson e in America dal citato RZA, tutto il mondo – me compreso – dal 2003 aveva gli occhi pieni delle incredibili qualità marziali di Tony Jaa, uno degli allievi del titanico e compianto coreografo Panna Rittikrai. Per un solo mese, quell’agosto 2004, i cinema italiani hanno proiettato il film che invece il resto del mondo ha considerato l’inizio di una nuova èra: Ong-bak. E siccome siamo italiani e siamo famosi per la nostra creatività, gli abbiamo aggiunto il sottotitolo più stupido e banale e sfruttato della storia: nato per combattere.

    Chi (come me) ha avuto modo di vedere già prima il film in lingua originale, sa che il thailandese è una lingua che suona davvero urticante alle orecchie occidentali: è una compilation di miagolii irritanti che mal si addicono ad un eroe marziale. Malgrado la pessima distribuzione italiana, è stato lo stesso da elogiare il nostro Paese per aver dato al protagonista l’ottima voce di Stefano Crescentini. Sa rappresentare perfettamente un action hero totalmente diverso dal solito, senza alcuna dote “americana” a cui siamo abituati, ma grintoso ed abilissimo.

    the-protector-la-legge-del-muay-thai-9Lo studio SEDIF del primo film viene sostituito dal SEFIT-CDC ma rimane Crescentini a doppiare Jaa nella seconda uscita italiana: lo spettacolare The Protector. La legge del Muay Thai (Tom yum goong, 2005), anche qui per il solo mese di agosto 2007.

    Malgrado l’Italia ci metta un po’ a carburare, Tony Jaa è un divo internazionale dal 2003 e gira il mondo organizzando spettacoli dove esegue dal vivo le complicate e pericolose coreografie acrobatiche che si vedono nei suoi film, anche per rispondere alle critiche di chi parla di cavi o di computer grafica. Questo nuoce alla sua carriera da attore e così i suoi film cominciano ad essere rari… e purtroppo sempre più approssimativi.

    Se Ong-bak 2. La nascita del Dragone (Ong-bak 2, 2008) è un esotico affresco della Thailandia ottocentesca – con la voce di David Chevalier per la Technicolor – Ong-bak 3 (2010) è già una traballante ripetizione di cose già viste e un po’ trite – non ho trovato il doppiatore. L’arrivo di The Protector 2 (Tom yum goong 2, 2013) – con la voce di Massimo Triggiani per la CDR – dove recita al fianco dell’ex rapper RZA, è la prova che non si riesce più a trovare qualcosa da far fare all’attore. L’orripilante Skin Trade. Merce umana (2014) – con la voce di Riccardo Scarafoni per Video Sound Service – è la tomba sulla sua carriera, e ormai il destino dell’attore è fare piccole gustose particine in grandi film: come in Fast and Furious 7 (2015) con la voce Massimo Corvo per la CDC SEFIT. Paradossalmente la sua scena di combattimento con Paul Walker, cioè un attore non marziale, ha una qualità molto più alta degli interi film marziali in cui si è lanciato negli ultimi anni.

    ~

    Rimaniamo tutti in attesa del “nuovo Bruce Lee” proveniente dall’Asia, e finora molti bravi atleti si sono attribuiti quella qualifica: peccato che l’aspetto migliore dei loro film… sia l’ottimo doppiaggio italiano.

    L.
    P.S.
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  • [Italian credits] Sole ingannatore (1994)

    sole39Ringrazio Norman, un attento lettore del blog, per avermi fornito i crediti italiani dimenticati di un film a cui sono molto legato: Sole ingannatore (Утомлённые солнцем / Utomlennye solntsem, 1994) di Nikita Mikhalkov, Premio Oscar 1995 come miglior film straniero. (All’epoca l’edizione italiana degli Oscar venne presentata da un distratto Claudio Bisio che ignorava tutto del regista, malgrado da giorni ogni fonte cinematografica nostrana ne strombazzasse la bio-filmografia! Volevo togliermi questo sassolino dalla scarpa…)
    Il re o lo si sfugge o si racconta che è nudo. I fratelli Mikhalkov si sono divisi i compiti: Andrej se n’è andato nel “corrotto Occidente” prendendo il cognome materno, ed ha iniziato un’ottima carriera nel cinema come Andrey Konchalovsky (A 30 secondi dalla fine, Tango & Cash, Il proiezionista); Nikita invece è rimasto, portando fieramente il cognome del padre celebre poeta – nel 1943 Sergeij Mikhalkov presentò a Stalin il testo che sarebbe diventato l’Inno dell’Unione Sovietica! – e ha raccontato il potere in tutte le sue forme.
    Ancora in tempi recenti Nikita Mikhalkov ha descritto la nuova Russia e i suoi giochi di potere prendendo un classico testo teatrale americano e trasformandolo in quello che, nel mio speciale, ho battezzato 12 russi arrabbiati.

    VHS Mondadori 1996 grazie a Norman

    VHS Mondadori 1996
    grazie a Norman


    Nel 1994 il regista moscovita torna indietro all’Unione Sovietica del 1936 per raccontarci del Sole che sta scaldando il popolo: Stalin. Ma non è il dittatore ad essere protagonista: è la sua luce a bruciare i personaggi.
    Il colonnello Kotov (Mikhalkov) sta passando l’estate nella sua tenuta in campagna circondato da una corte di buffi personaggi – tutti attori già presenti in altri film del regista – ed amato dalla figlioletta Nadja: interpretata dall’adorata figlia omonima del regista. (Che oggi però si fa chiamare Nadezhda.)
    A rovinare la festa del potere arriva Dimitri (Oleg Menshikov), ex amante della moglie di Kotov che rappresenta il nuovo corso del potere: è uno di quegli sbandati che non appena hanno un briciolo di potere… diventano più spietati dei dittatori.
    Sole ingannatore è un film spietato e crudele, con molte scene umoristiche a mascherare la profonda tragedia che gli scorre nelle vene: il finale terribile, tra i migliori del regista, è il simbolo del potere. Un sole ingannatore che brucia tutti, sia chi vi si oppone che chi vi si sottopone.
    Chissà se è stato il Premio Oscar, il successo in tutti i festival europei o la sua denuncia del comunismo a convincere la Mondadori a portarlo in VHS italiana nel 1996… Comunque non si conoscono altre edizioni in home video nel nostro distratto Paese, dove la sfavillante cinematografia russa contemporanea è bella che dimenticata.
    Attenzione ai titoli di coda: le scritte finali potrebbero rovinarvi i “colpi di scena”, se non avete visto il film.

    Titoli di testa

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    Titoli di coda

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    P.S.
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  • [Italian credits] Squilli di morte (1982)

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    Questa settimana presento i titoli italiani dimenticati di un thriller-horror canadese davvero incredibile: Squilli di morte (Murder by Phone, 1982).
    Negli anni Ottanta Richard Chamberlain in Italia è un divo incontrastato della TV che ogni tanto fa capolino al cinema. Sebbene esistano locandine cinematografiche dell’epoca, non sono riuscito a trovare conferma di una distribuzione in sala di questo film, che arriva sicuramente nel nostro Paese in VHS per DB Video (forse risalente al 1986 o forse al 1988) e in TV, su Italia1, nel 1985.
    Insieme ad altri film canadesi è entrato nel palinsesto del canale televisivo Retecapri che lo replica abbondantemente, così che sono riuscito a catturarne i crediti italiani.
    squilli-di-morteMaestro Evit mi ha messo su una pista a cui non ho saputo resistere, e come sempre ho scoperto che aveva ragione: la locandina italiana della VHS riporta “Sqilli” invece di “Squilli”! Questo aumenta sensibilmente il suo valore di localizzazione… (o lo depaupera? NdR)
    Il film è un ottimo specchio dei tempi, perché racconta di quando si pensava che i telefoni anni Ottanta fossero l’apice della tecnologia e sarebbero aumentati di numero, non di qualità. «Prima dell’anno Duemila saranno in funzione 1,4 trilioni di telefoni nel mondo. Il costo, inclusi i cavi, gli interruttori e i servizi interurbani, ammonterà a circa un migliaio di dollari per ogni telefono: questo è ciò che io chiamo industria».
    A sentire oggi queste parole sembra di star guardando un qualche vecchio film ammuffito, invece siamo nei rampanti anni Ottanta: e in fondo la previsione non era sbagliata in quantità, ma in qualità. Non so se esistano oggi 1,4 trilioni di cellulari o smartphone, ma di sicuro ce ne sono tantini…
    Prima del Ring (1991) di Kōji Suzuki o del Cell (2006) di Stephen King, c’erano altri telefoni che uccidevano. In questo film un maniaco ha collegato una strana macchina capace di mandare attraverso le cornette delle onde che friggono il cervello e fa esplodere i telefoni come fossero dinamite. Così le vittime prima sanguinano da orecchie, occhi e bocca, poi un’esplosione esagerata li fa volare nella stanza. Addirittura la prima vittima, in un ufficio, viene catapultata fuori dalla finestra.. con tutta la sedia!
    Un film grezzo che sembra molto più vecchio dei suoi anni, ma divertente per ricordare il grado di tecnologia – e di mentalità tecnologica – degli anni Ottanta.

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  • [Italian credits] La scala della follia (1973)

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    Questa settimana presento i titoli italiani dimenticati di un piccolo, piccolissimo film britannico alquanto furbetto, che sfrutta la notorietà di un ottimo cast per creare una economicissima storia di ghost house atipica: La scala della follia (Dark Places, 1973).
    Distribuito in Gran Bretagna in un non meglio specificato 1973, arriva in sordina nei cinema italiani l’8 marzo 1975. La Golden Video lo porta in VHS non si sa quando, così come la Cult70 lo riversa in DVD in data ignota: se ne sapete di più scrivetemi.
    Per una recensione del film vi invito alla mia scheda del blog Il Zinefilo, ma ci tengo a specificare i due attori che si dividono la scena: Christopher Lee e Joan Collins. In un piccolo ruolo, anche l’austro-ungarico Herbert Lom divenuto celebre nel ruolo del commissario Dreyfus, antagonista dell’ispettore Clouseau nei film de La Pantera Rosa.
    Né Lee né la Collins mostrano il minimo interesse a far parte del film, ma rispettano la fama dei loro nomi: lui è oscuro e tenebroso, lei disinibita e profittatrice.
    scalafolliaDa segnalare un difetto che si nota in certi casi di “crediti” italiani non proprio di alta qualità: la sovrapposizione della scritta italiana corrisponde ad una perdita di qualità della pellicola sottostante.

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  • [Italian credits] L'invasione degli Ultracorpi (1956)

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    Grazie all’aiuto di Antonio L. – che abbiamo già letto in questo blog per l’edizione home video del film 28 giorni dopo – posso presentare qui i titoli italiani dimenticati di un film che ha scritto la storia del cinema di fantascienza: L’invasione degli ultracorpi (Invasion of the Body Snatchers, 1956) di Don Siegel.

    Il romanzo

    invasatiLo sceneggiatore Daniel Mainwaring firma con il proprio nome (invece che del prolifico pseudonimo Geoffrey Homes) l’adattamento cinematografico del romanzo Invasion of the Body Snatchers (1954), che Jack Finney aveva già presentato a puntate sulla rivista “Collier’s Weekly” dal 26 novembre 1954.
    La collana italiana “I Romanzi di Urania” (n. 118) porta nelle nostre edicole il romanzo con la traduzione di Stanis La Bruna e il titolo Gli invasati: la differenza del titolo è dovuta al fatto che il film arriva nei nostri cinema solo nell’ottobre 1957, quindi all’epoca “Urania” non si premura di far capire il collegamento con la pellicola.
    Urania Collezione” ha ristampato il testo nel 2003 e l’edizione più recente è del 2005, firmata Marcos y Marcos.

    La donna clonata

    gynoidEra l’agosto del 1952 quando sulla rivista “Galaxy” il grande scrittore Fritz Leiber presenta un racconto destinato agli annali della fantascienza: La casa del passato (Yesterday House). Per la prima volta in narrativa sentiamo parlare di “clonazione”, e la donna clonata che il protagonista del racconto conosce su un’isola lontana, dove vive con il suo “creatore”… viene in pratica scopiazzata senza riserve per il recente film Ex Machina (2015).
    Jack Finney nel 1954 non parla di clonazione ma, com’è noto, di “baccelloni” alieni che duplicano le persone: in fondo, però, è un procedimento molto simile. L’unica “donna clonata” presente nel film appare per un breve momento ma è particolarmente paradigmatica: simboleggia esattamente il senso di disprezzo profondo che gli scrittori maschi da sempre dimostrano nei confronti delle donne che essi stessi creano. Mi sia dunque consentito un breve estratto dal mio saggio in eBook Gynoid. Duecento anni di donne artificiali (2015). [NdR: consento, consento]

    Visto che di donne “clonate” The Body Snatchers ne è particolarmente avaro, mi limito a citare una curiosità: quando nel finale del film del 1956 la fidanzata del protagonista viene sostituita, da donnina svenevole e frignante si trasforma… in una donna decisa che tratta l’uomo da pari a pari. Sarà per questo che il protagonista cade nel panico?

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  • [Italian credits] Cose preziose (1993)

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    Dopo Shining (1980), ecco questa settimana i titoli italiani dimenticati di un altro film tratto da un romanzo di Stephen King: Cose preziose (Needful Things, 1993) diretto da Fraser C. Heston.
    L’edizione di riferimento è una VHS Cecchi Gori purtroppo senza data. Il film arriva nei cinema italiani il 1° aprile 1994 e vi resta fino all’autunno, mentre il “Torino Sette” del 17 febbraio 1995 lo riporta al secondo posto delle videocassette più noleggiate della settimana: la VHS che ho recuperato è un’edizione in vendita quindi di poco posteriore.
    Il primo passaggio televisivo noto di Cose preziose è lunedì 6 maggio 1996 in prima serata su Italia1, che è probabilmente la prima volta che l’ho visto.
    Lo splendido romanzo del 1991 di King – di cui ho già parlato – finisce nelle mani capaci di W.D. Richter, il cui nome forse non fa squillare alcun campanello ma che è un autore di quelli da ricordare: basti dire che ha firmato la sceneggiatura di Terrore dallo spazio profondo (Invasion of the Body Snatchers, 1978), Brubaker (1980) ed ha messo la penna anche in quella di Grosso guaio a Chinatown (1986). Non pago, nel 1984 ha tentato anche la carriera registica con il sottovalutato Le avventure di Buckaroo Banzai nella quarta dimensione.

    Omaggio scopiazzante da Matheson

    King da sempre considera il grande Richard Matheson un maestro, e a pensar bene possiamo dire che forse ha voluto omaggiarlo inserendo nella storia di Cose preziose uno smaccato scopiazzamento di un racconto di Matheson: The Distributor, apparso nel marzo shocklibrodel 1958 su “Playboy” e arrivato in Italia per la prima volta come Il dispensatore, nell’antologia “Shock” (Mondadori 1984) con traduzione di Giuseppe Lippi. Maurizio Nati lo ritraduce come Il nuovo vicino di casa per l’antologia “Incubo a seimila metri” (Fanucci 2003).
    In questo racconto Matheson ci presenta un nuovo arrivato nel quartiere che fa subito amicizia con il vicinato, ma subito capiamo che qualcosa non va quando questi comincia uno strano gioco: ruba un oggetto da una casa per metterlo in un’altra, così che i due proprietari litighino. Con furti, maldicenze e pettegolezzi in pratica il nuovo arrivato fa esplodere il quartiere prima di trasferirsi in un altro… ed è esattamente il “metodo” che Leland Gaunt utilizza nella storia!

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  • [Italian credits] Space Vampires (1985)

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    Dopo aver raccontato della difficoltosa lavorazione de Il ritorno dei morti viventi e averne presentato i crediti italiani dimenticati, è doveroso presentare il film che ha distolto l’attenzione del regista Tobe Hooper spingendolo ad abbandonare gli zombie in favore dei vampiri spaziali: Space Vampires (Lifeforce, 1985).

    Bonazze Bionde dallo Spazio

    space-vampires-itaPerché sulla copertina originale del romanzo di Colin Wilson e su alcune locandine italiane d’epoca la donna protagonista è bionda, mentre nel film è mora? La spiegazione si annida nel curioso sotto-genere cinematografico a cui questo film più o meno coscientemente si riallaccia, un sotto-genere che in un mio speciale sul blog Il Zinefilo ho battezzato BBS: Bonazze Bionde dallo Spazio.
    Dal 1954 sbarcano sulla Terra donne aliene in cerca di maschi fertili, e dal 1959 queste donne capiscono che per avere più successo con i maschietti terrestri… devono farsi bionde!
    Per il viaggio tra i titoli – dalla Blonde from Space di Henry Slesar alla saga di Species, che poi è la stessa cosa – vi rimando al mio speciale: quel che interessa qui è che nel 1966 Curtis Harrington scopiazza il racconto citato di Slesar e crea il film Queen of Blood… il cui titolo alternativo è Space Vampires.
    In un lontano futuro – il 1990! – i terrestri vanno su Marte e trovano i resti di un’astronave con un’unica sopravvissuta: una biondona. Decidono di portarla sulla Terra ma durante il viaggio la donna ammalia l’equipaggio – tra cui il giovane Dennis Hopper – e si nutre del suo cibo preferito: il sangue. Mutatis mutandis, abbiamo l’abbozzo del romanzo Space Vampires.

    I vampiri di Wilson

    space-vampires-panther-1977-coverMalgrado i crediti italiani parlino di “racconto”, quello del britannico Colin Wilson è un romanzo corposo e ricco di informazioni: in realtà solamente la prima parte ha l’aspetto del romanzo (ed è infatti quella su cui si è concentrato il film) mentre la seconda è una classica operazione di marketing editoriale ben nota: è un saggio mascherato da narrativa per venderlo meglio.
    Wilson è uno studioso di misteri, in Italia la Newton Compton ha più volte ristampato il suo Il grande libro dei misteri irrisolti, quindi il romanzo che pubblica nel febbraio 1976 è solo una scusa per della saggistica misterica “mascherata”.
    La storica collana “Urania” Mondadori lo presenta già il 12 marzo 1978 come numero 744 della collana; nell’aprile 2016 “Urania Collezione” festeggia i quarant’anni del romanzo ristampandolo nel numero 159 che, se non doveste trovarlo nei mercatini rionali, è adesso disponibile anche in formato digitale su Amazon. Ah, i tempi moderni!
    Sul finire del 2013 i Ringleader Studios di Beverly Hills acquistano i diritti del romanzo di Wilson, e fanno girare voce di un loro possibile interessamento a crearne una serie televisiva dal titolo Lifeforce, un graphic novel e addirittura un videogame: siamo in attesa della realizzazione di questi progetti…

    La vita italiana

    space-vampires-1985-12-12Il film arriva in Italia il 6 dicembre 1985 con il titolo Space Vampires. Prima di esordire al cinema romano Cola di Rienzo, viene proiettato quasi un mese prima in anteprima giornalistica all’Odeon di Milano, e il 12 novembre sul quotidiano “L’Unità” il critico Michele Anselmi ci va giù pesante:

    «Si stenta a credere che dietro questo pastrocchio da 25 milioni di dollari ci sia quel piccolo maestro dell’orrore che è Tobe Hooper. […] Passato sotto contratto alla Cannon, Hooper sembra infatti aver dilapidato l’antico talento in favore di uno stile sbrigativo e banale, perfettamente intonato ai gusti della coppia Golan-Globus. […] Space Vampires è in realtà un filmetto esangue e scontato che non mantiene le promesse.»

    Piero Perona su “La Stampa” del 13 dicembre 1985 articola meglio ma non cambia opinione:

    «Incontri ravvicinati con gli extraterrestri: sono la novità e la costante dell’anno, aperti dallo Starman di Carpenter ed esaltati dal Cocoon di Howard. Diamo il senso migliore alla pericolosa proposta erotica che, quanto meno, insegna a prendere il buono dovunque esso si trovi: la fantascienza della guerra fredda tipica degli anni Cinquanta non lo avrebbe mai consentito. Oggi, mentre precipitiamo verso una glaciazione della situazione politica, Hollywood per motivi meramente spettacolari fa un pensierino all’eros intergalattico. […] Ci sono alti e bassi nel film di Hooper, tutti in ogni modo manieristici. Space Vampires non sarà brutto ma nasce vecchio.»

    spacevampireblurayIl suo insuccesso di critica è forse attribuibile anche al fatto che in Italia arrivò la versione americana del film, pesantemente tagliuzzata tanto da renderla quasi incomprensibile e altrettanto fallimentare, mentre (mi informa Evit) nel Regno Unito, dove la pellicola ebbe un grande successo, uscì la versione originale senza quei tagli confusionari e con un inizio del film molto più esaltante, il film come Tobe Hooper lo aveva concepito.
    In Italia non rimane moltissimo al cinema, poco più di un anno, e nel maggio del 1987 arriva in VHS Multivision, ristampata poi nel 1995 dalla Hobby&Work in formato “pocket” (con copertina di cartone invece che di plastica).
    Dall’aprile 1988 inizia il suo viaggio televisivo, di solito su piccoli ma storici canali come Odeon TV e Italia7.
    Nell’euforico 2001, quando l’avvento del DVD in Italia ha spinto molte piccole case ad un semplice riversamento di videocassette su disco, esce la prima versione DVD: bisogna aspettare l’agosto 2008 per la ristampa targata Stormovie. Conoscendo la casa – che adoro perché comunque ha saputo salvare tesori di filmacci per gli appassionati zinefili come me – non c’è molto da sperare sulla qualità di questo prodotto.
    Il 4 dicembre 2012, la Pulp Video rilascia un’edizione più curata, sia in DVD che Blu-ray, dove viene ripristinata la versione estesa del film (che poi è la migliore) con scene mai viste prima né in VHS, né al cinema.

    L’analisi di Evit

    Per tante altre informazioni sul film, rimando al dettagliato quanto divertente articolo sull’adattamento italiano a cura di mastro Evit, un altro imperdibile pezzo nel quale anche lui raccolse tanti interessanti aneddoti oltre alle abituali (ma mai banali) osservazioni sul doppiaggio: dall’inglese usato a sproposito, alle battutacce superflue inserite nei dialoghi nostrani da chi ne curò la versione italiana. È evidente che anche Evit è un grande appassionato di questo film.

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    Per saperne di più sulla colonna sonora citata, rimando al sito SoundtrackCollector.
    L.
    P.S.
    Ringrazio Evit per gli “screenshot” del film localizzato in italiano. Se simili resoconti vi interessano continuate a seguirci ogni venerdì e vi invito a venire a trovarmi anche sul blog Il Zinefilo: viaggi nel cinema di serie Z.

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  • [Italian credits] Shining (1980)

    shining_aQuesta settimana presentiamo i crediti italiani dimenticati di un film che definire di culto sarebbe davvero riduttivo. Un film discusso, controverso, amato ma anche odiato (soprattutto da Stephen King): ecco dunque i rarissimi crediti italiani di Shining (The Shining, 1980) di Stanley Kubrick.
    Presentato a Los Angeles il 23 maggio 1980, il film accende la curiosità degli italiani e già il 1° giugno successivo l’autorevole giornalista Furio Colombo – futuro direttore de “L’Unità” – dedica alla pellicola un lungo editoriale sul quotidiano “La Stampa”, pieno di lodi sperticate.
    Abbondantemente anticipato da critiche entusiastiche, il film arriva sui nostri schermi il 22 dicembre 1980. La Warner Home Video lo riversa in VHS nel 1985 (non è chiara la data di arrivo nelle nostre videoteche) e nel gennaio 1989 arriva in Italia la ristampa economica nella celebre collana “Gli Scudi”.

    Jack il noioso

    allworkUna delle sequenze diventate iconiche di questo film è quando Wendy (Shelley Duvall) scopre che suo marito Jack (Jack Nicholson) ha sì lavorato per molto tempo ad un romanzo, ma in realtà non ha fatto altro che riempire centinaia di pagine con una sola scritta: un vecchio proverbio che recita «All work and no play makes Jack a dull boy» (alla lettera: “Solo lavoro e niente gioco rende Jack un ragazzo noioso”).
    Quello di Jack Torrance è uno pseudobiblion, un “libro falso” inventato per esigenze narrative, ma spesso c’è chi ha voluto rendere reale qualcosa che non lo è mai stato: ecco dunque più volte affacciarsi operazioni in cui degli editori mettono in vendita il libro All Work and No Play Makes Jack a Dull Boy, firmato ovviamente da Jack Torrance.
    shining_simpsonsUna celebre rielaborazione di tutta la scena la si trova in The Shinning, primo segmento dell’episodio “La paura fa novanta V” (6×06, 30 ottobre 1994) della celebre serie televisiva di animazione “I Simpson“.
    I questa dichiarata parodia del film di Kubrick il foglio nella macchina da scrivere è bianco, perché Homer/Jack ha scritto sulle pareti di casa: «No TV and no beer make Homer go crazy», niente TV e niente birra fanno uscire pazzo il personaggio noto per abusare di entrambi.
    Un richiamo più sottile ma non meno stretto lo troviamo in un recente film horror di basso livello, Fertile Ground (2011) di Adam Gierasch. Invece di un albergo abbiamo una casa isolata in cui si ritirano a vivere i due personaggi protagonisti, marito e moglie, e dove per tutta la durata del film l’uomo dice di star dipingendo, passando molto tempo nello studio. Alla fine la moglie si decide ad entrare e scopre che lo studio è pieno di tele completamente bianche: anche se non ci sono scritte, lo stesso è un omaggio dichiarato ad una scena ormai entrata di prepotenza nella storia del cinema.

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    Un grazie ad Antonio L.e ad Evit per aver fornito queste immagini.
    L.

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